Flamenco lässt sich nicht erklären, man fühlt ihn. Es gibt Abende im Tablao, an denen mitten in einer Soleá eine seltsame Stille unter dem Publikum entsteht. Es ist nicht so, dass niemand spricht: Es ist so, dass niemand sprechen kann. Etwas ist auf der Bühne geschehen, das sich nicht mit technischen Begriffen oder schönen Adjektiven erklären lässt. Genau das ist es, was die Großen des Flamenco seit einem Jahrhundert zu benennen versuchen.
Vollständig gelungen ist es ihnen nicht (niemandem gelingt es), aber auf dem Weg haben sie Zitate hinterlassen, die sich eingebrannt haben. Hier sind einige, die uns am besten gefallen, und warum wir glauben, dass sie immer noch wahr sind.
Seine Zitate haben sich ebenso ins kollektive Gedächtnis eingeprägt wie seine Lieder, und heute klingen sie in jedem Tablao, in jeder Peña und in jeder Höhle nach, wo der Compás noch lebendig ist.
Wir haben einige der ikonischsten Zitate zusammengestellt, die von Legenden des Flamenco ausgesprochen wurden, von Cantaores und Gitarristen bis hin zu Dichtern, die ihr Leben dem Verständnis dieser Kunst gewidmet haben. Eine Reise durch die Worte, die besser als jede Abhandlung definieren, was Flamenco für diejenigen bedeutet, die ihn von innen heraus leben.
Lorca und dieses Etwas, das von den Füßen aufsteigt
Federico García Lorca war weder Cantaor noch Bailaor, aber vielleicht war er derjenige, der am besten verstand, was auf einer Flamenco-Bühne geschieht. In seinem Vortrag über den Duende sagte er etwas so Einfaches wie dies:
„Der Duende ist nicht im Hals, er kommt von der Fußsohle“.
Ein sehr seltenes Bild, wenn man es nüchtern betrachtet, das aber jeder versteht, der einen Bailaor „in einen Tanz eintreten“ gesehen hat, ohne dass es einer Erklärung bedarf. Es gibt etwas Physisches, fast Irdisches, in dem Moment, in dem ein Künstler aufhört zu agieren und anfängt, wirklich zu fühlen.
Camarón und der ewige Kampf zwischen Reinheit und Freiheit
Camarón de la Isla fasste den Flamenco gerne in kurzen, prägnanten Sätzen zusammen, von denen, die nicht viel Raum für Diskussionen lassen. In einem Interview sagte er:
„Der Flamenco hat nur eine Schule: übermitteln oder nicht übermitteln“.
Es ist eine Idee, die mit einem Federstrich den ewigen Streit zwischen Puristen und Modernen löst. Er sagte auch einen Satz, in dem er zum Ausdruck brachte, dass die Strukturen des Cante fest von den Alten verankert waren, aber er verstand, dass lebendige Kunst Freiheit erfordert.
„Der Flamenco ist gemacht. Man kann nicht mehr Flamenco machen, als bereits gemacht wurde. Was man tun muss, ist, seine Persönlichkeit einzubringen.“
Camarón hat die Wurzel des Cante nie verraten; er wagte es einfach, ihn mit seiner Stimme, seiner Wut und seiner Art, in der Welt zu sein, zu singen.
Paco de Lucía und eine Gitarre, die ohne Worte sprach
Paco de Lucía sagte:
„Die Gitarre hat mir etwas gegeben, was mir keine Sprache geben konnte: die Fähigkeit, mich dem Rest der Welt ohne Worte auszudrücken.“
Und er übertrieb nicht. Vor ihm war die Flamenco-Gitarre fast ein Begleitinstrument; danach wurde sie zur vollwertigen Protagonistin, fähig, allein Theater zu füllen. Ihm beim Spielen zuzuhören, ist immer noch der beste Beweis dafür, dass Flamenco keine Übersetzung braucht, um jemanden zu berühren, der nie Andalusien betreten hat.
Enrique Morente und der Flamenco ohne Grenzen
Morente, der große Erneuerer des zeitgenössischen Cante, mied Dogmen und engstirnige Köpfe. Er sagte einmal:
„Flamenco und Jazz sind zwei brüderliche Herzen“
Ein weiteres legendäres Zitat dieses Künstlers war:
„Wäre Flamenco eine exakte Wissenschaft, wäre er sterbenslangweilig.“
Seine Art, die Kunst zu verstehen, erinnert uns daran, dass Flamenco nie ein abgeschlossenes Fach war: Er hat alles aufgesogen, was ihm in den Weg kam, ohne auch nur ein Jota seiner Identität zu verlieren.
Antonio Mairena: Das Gedächtnis eines Volkes
Antonio Mairena, eine der akademischsten Figuren und Verteidiger des gitano-andalusischen Cante, definierte die natürliche Ordnung der Flamenco-Emotion.
Wir heben ein tiefgründiges Zitat hervor, das er sagte:
„Flamenco ist die Musik eines Volkes, das seinen Schmerz singt, bevor es seine Freude singt.“
Mit diesem Satz wollte der Künstler zum Ausdruck bringen, dass Flamenco nicht in einem Salon geboren wurde, sondern am Rand. In der Verfolgung, in der Erschöpfung ganzer Generationen, die im Cante Zuflucht suchen mussten. Deshalb tragen selbst die Alegrías oder Bulerías, die festlichsten Palos, etwas Widerstand im Compás, auch wenn man es manchmal nicht bemerkt. Zuerst muss man den Schmerz beweinen. Erst nachdem man ihn herausgelassen, ihn leer gesungen hat, kann man wirklich feiern.
Worte, die nur die verstehen, die drinnen sind
Wer lange in der Nähe des Flamenco ist, weiß, dass es Worte gibt, die sich nicht gut übersetzen lassen. Der Pellizco, dieser physische Schlag in den Magen, den ein Cante gibt, wenn er die Wahrheit erreicht. Die Jondura, diese dunkle Tiefe, die der Cante Jondo sucht. Oder die Stimme schärfen, die Art, wie ein Cantaor seine Kehle absichtlich abnutzt, bis er genau den Punkt des Schmerzes findet, den dieser Text braucht.
Es sind keine Fachbegriffe: Es ist die Art, wie diese Kunst benennt, was in ihr vorgeht.
Wir könnten bei der kuriosen Anekdote bleiben, aber die Wahrheit ist, dass diese Zitate weiterhin nützlich sind, weil sie etwas erklären, das jede Nacht in einem echten Tablao passiert: dass niemand auf diese Bühne geht, um eine Show zu machen. Man geht hinauf, um etwas Eigenes zu erzählen. Wenn ein Cantaor sich das Hemd zerreißt oder eine Bailaora wütend auf das Tablao schlägt, spielt er nicht für die Kamera. Er entblößt sich, buchstäblich und im übertragenen Sinne, vor Fremden.
Wie das andalusische Sprichwort sagt: Wer seine Leiden singt, vertreibt sie. Hier verwandeln wir sie außerdem in den Grund, warum Sie immer wiederkommen.